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STUDY

2024.3.22

Mark Bradford:コラージュ作品が得意なビジュアル・アーティストを紹介

2017年ヴェネチア・ビエンナーレの米国代表にも選ばれたMark Bradford。タイム誌の「2021年最も影響力のある100人」に選出されました。この記事では、彼の芸術の特徴と作品を紹介します。

本記事の内容は、XSpaceArtTalkは、X(旧Twitter)のスペース機能内で私現代美術家のMasakiHaginoを語り手として、東京美術館巡り(@tokyoartmuseum)さんと世界中の現代アーティストを紹介、解説する第2第4水曜日21時より開催している1時間番組で紹介されました。アーカイブはそのままTwitter上でも聞くことができますしPodcast「 ArtTalk-アートトーク- 」の方でもアップ予定です。

Mark Bradfordとは?

マーク・ブラッドフォード(1961年11月20日生まれ)はアメリカのビジュアル・アーティスト。カリフォルニア芸術大学で学ぶ。コラージュによるペインティング作品で世界的に知られ、ビデオ、版画、インスタレーションも手がける。

ブラッドフォードは、コラージュと絵具を組み合わせた格子状の抽象絵画で知られる。彼の作品は何層にも重ねた紙やコードからできており、それらを抉る、裂く、千切る、糊付けする、電動洗浄機で洗う、やすりをかけるなど、様々な道具や技法を用いて彫り込んでいる。

ブラッドフォードのキャリアを通じて、彼はサービスの広告を印刷した「商人ポスター」を収集し、近所に掲示してきた。ブラッドフォードは、ゲイとしての経験を生かし、男性性やジェンダーについての考えを作品に取り入れることもある。

ヴェネチアでのコラボレーションの前に、彼はアートとアドボカシーを融合させる、より正式な実践を行っていた: 3年前、ブラッドフォード、アラン・ディカストロ(20年来のパートナー)、慈善家のアイリーン・ハリス・ノートンの3人は、青少年や文化イベントを支援するサービスを提供する芸術・教育財団「アート+プラクティス」を共同で設立した。

以下、Mark Bradford - Hauser & Wirth
より引用。

マーク・ブラッドフォード(1961年ロサンゼルス生まれ。何層にも重なった形式的、物質的、概念的な複雑さを特徴とするブラッドフォードの作品は、疎外されたコミュニティや社会的弱者の身体を客観視する社会的、政治的構造を探求している。ブラッドフォードの作品に不可欠なのは、美術館や文化施設へのアクセスが制限されたコミュニティに現代アートやアイデアを持ち込むことで、客観化する社会構造を再構築する社会的関与の実践である。

金物店の通路にある日常的な素材や道具を使い、ブラッドフォードは独自の芸術言語を生み出した。頻繁に「社会的抽象」と呼ばれるブラッドフォードの作品は、あらゆる素材や技法には、芸術的有用性よりも先に意味が埋め込まれているという彼の理解に根ざしている。彼の特徴的なスタイルは、初期の頃、美容院で使われる小さな半透明のティッシュペーパーであるエンドペーパーの実験から発展したもので、それ以来、地図、看板、映画のポスター、コミック本、経済的に困窮した地域で略奪的なサービスを宣伝する「商人ポスター」など、他の種類の紙でも実験してきた。

ブラッドフォードは、歴史的な意味合いからあらかじめ選んだイメージをキャンバスに糊付けした後、ロープやコーキング剤で輪郭を描き、さまざまな種類の紙を何層にも貼り付ける。その後、「文明の利器」を使って絵画の表面を裂き、侵食し、掘り起こすことで、意味を持つ素材の層間の交差を明らかにし、絵画というメディアを変容させ、拡張する。

ロサンゼルス南部で生まれたブラッドフォードは、11歳のときに母親とともにロサンゼルスのビーチサイド、サンタモニカ地区に移り住んだ。幼少期を通じて、ライマート・パークにある母親の経営する美容院で働き、そこで初めて芸術的・創造的表現への好奇心を抱くようになったブラッドフォードは、高校卒業後、夏休みを利用してヨーロッパを旅した。美術館を訪れ、アートを堪能した体験は永続的な印象を残し、31歳のときに初めて正式な芸術教育を受け始めた。

1995年にバレンシアのカリフォルニア芸術大学(カルアーツ)で美術学士号を、1997年に同大学院で修士号を取得した。1998年にサンフランシスコ・アート・インスティテュートのウォルター&マクビーン・ギャラリーで初の個展「Floss」を開催、2001年にはハーレムのスタジオ・ミュージアムで開催された「Freestyle」でニューヨークの美術館デビューを果たした。2006年にはホイットニー美術館で開催されたホイットニー・ビエンナーレに参加し、バックスバウム賞を受賞。2008年、ハリケーン・カトリーナの後、ブラッドフォードはニューオーリンズで開催された「Prospect.1」に参加し、2010年にはウェクスナー・センター・フォー・ジ・アーツが彼の作品の回顧展を開催し、全米の5つの施設を2年間巡回した。

2015年、ブラッドフォードはロサンゼルスのハマー美術館で初の美術館個展「Scorched Earth」を開催し、同年、長年のパートナーであるアラン・ディカストロ、慈善家でアートコレクターのアイリーン・ハリス・ノートンとともに、ライマートパークにアート+プラクティスを共同設立した。

2017年、ブラッドフォードは第57回ヴェネチア・ビエンナーレに米国代表として参加し、個展「Tomorrow is Another Day」を開催した。米国館での発表を補完し、社会から疎外されたコミュニティに関与する彼の実践に則り、ブラッドフォードは社会的協同組合Rio Terà dei Pensieriとの6年間のパートナーシップであるProcess Collettivoを立ち上げ、ヴェネツィアとその周辺で収監されている男女に技能訓練と雇用の機会を提供した。ビエンナーレの後、「Tomorrow is Another Day」はボルチモア美術館に巡回し、ブラッドフォードはボルチモアの家族に教育リソースを提供するコミュニティ・アート・スペース、グリーンマウント・ウエスト・コミュニティ・センター(GWCC)とコラボレーションした。

2017年11月、ブラッドフォードはワシントンDCのハーシュホーン美術館・彫刻庭園で「Pickett's Charge」を公開し、2018年には「We The People」と題した合衆国憲法の条文を描いた32キャンバスの絵画をロンドンのアメリカ大使館に永久展示するために設置した。2019年、ブラッドフォードは、初開催のフリーズLA見本市のバックロット入り口のビニールバナーや、ロサンゼルス中の小麦粉ペーストのポスターに、警察のボディカメラの大きな画像「Life Size」を制作した。ブラッドフォードはまた、同じイメージの限定版プリント・シリーズを制作し、刑務所から出所する人々のキャリア開発の機会を支援するArt for Justice Fundの資金を集めた。

ブラッドフォードは国際的に高い評価を得ており、2019年のアメリカ芸術科学アカデミーへの任命、2014年のアメリカ国務省芸術勲章、2013年の全米アカデミシャンへの任命、2009年のマッカーサー・フェローシップ賞など、数多くの賞や栄誉を受けている。ブラッドフォード作品の常設インスタレーションには、カリフォルニア大学サンディエゴ校キャンパス内の「What Hath God Wrought」(2018年)、ロサンゼルス国際空港のトム・ブラッドリー国際ターミナル出発ホールの「Bell Tower」(2015年)などがある。

ブラッドフォードの最近の個展には、ハウザー&ワース・メノルカでの「Masses and Movements」(2021年)、フォートワース近代美術館での「End Papers」(2020年)、ハウザー&ワース・ロンドンでの「Cerberus」(2019年)、上海の龍博物館西灘での「Los Angeles」(2019年)などがある。

参考リンク:Mark Bradford - Hauser & Wirth

作品『Scorched Earth』(2006)

≪Scorched Earth≫のレイヤーは、消えた人々や別の時代や場所の深い心理的・物理的な廃墟を表す地形を作り出している。この作品でマーク・ブラッドフォードは、黒く塗りつぶされた地域の航空地図を描いている。

1921年にタルサ人種大虐殺が勃発し、このユニークな地域とその歴史が暴力的に抹殺されるまで、多くの黒人経営のビジネスが繁栄していた。タイトルが示すように、黒は焼かれた、焦げたという意味であり、黒は再編集されたという意味であり、黒は無であるという意味である。

参考リンク:Scorched Earth - Mark Bradford | The Broad

作品『Ghost money』 (2007)

Ghost moneyでは、他から切り離された巨大な寓意的な都市の塊が、大陸的なスケールに近づいている。その渦の中には広告の断片があり、絵画のタイトルと同様に、この都市を動かしている、文書化されていない水面下の商取引で働いている策略に言及している。

すべてのコラージュは再利用について疑問を投げかけるが、ブラッドフォードが即興的にこれらの大きな領域を使いこなすことで、大量消費の恐ろしいエネルギーと、おそらくより重要なことだが、それと対をなすゴミの大量発生を示唆することもできる。

参考リンク:Mark Bradford

作品『Orbit』 (2007)

『Orbit』の黒い街路の密集した格子の中心に置かれたバスケットボールの雑誌の画像だ。このイメージは、バスキアの黒人スポーツ・ヒーローのイコノグラフィーを想起させるが、ブラッドフォードの扱いははるかにアンビバレントだ。

結局のところ、バスケットボールが暗示する夢は、希望の光なのか、それともインナーシティから最も簡単に脱出できるという偽りの約束なのか。

参考リンク:Orbit (2007)

作品『Dead Hummingbird』 (2015)

絵画の表面にえぐられた赤、黒、白の溝が、真っ黒な通路を囲むように放射状に広がっている。「この亀裂、切り口、そして血のようなものは、まるで一皮むけた皮膚のようだ。治る前の皮膚の生々しさ。HIV感染者がよく皮膚にできていた鵞口瘡や発疹だ。今は薬のおかげで、そういうものはあまり見かけなくなった」と彼は説明する。

参考リンク: Dead Hummingbird (2015)

作品『150 Portrait Tone』(2015)

マーク・ブラッドフォードの『150 Portrait Tone』は、抽象画と写実画の両方の要素を含む壁画サイズの作品で、2016年7月にミネソタ州セントポールでフィランド・キャスティルが警官に射殺された事件の後に作家が思いついた作品のアイデアに基づいている。

小学校で栄養サービスを担当していたカスティーユは、車で停車させられた後に撃たれた。この事件は、助手席に座っていたカスティーユのガールフレンド、ダイアモンド・レイノルズによってフェイスブックでライブストリーミングされた。

この絵は、その動画からレイノルズの台詞を抜粋したものである。タイトルの「150 Portrait Tone」は、絵の中で使われているピンクのアクリルの名前とカラーコードを指している。

クレヨラ64の箱に入っていた、今では使われなくなったクレヨン「flesh」(1962年に「peach」に改名)のように、「ポートレート・トーン」という色には、描かれているのがいったい誰なのかという固有の前提がある。ブラッドフォードの絵の文脈では、このタイトルは権力と表現に関する痛烈なコメントを示している。

参考リンク: Mark Bradford: 150 Portrait Tone

作品『Spoiled foot』(2016)

『Spoiled Foot』と題された巨大な立体作品。光沢のある紙で覆われ、圧力ホースであばたをつけた巨大なインスタレーションである。ブラッドフォードの意図は、見る者に部屋の中央が空いているように感じさせないことだった。

彼は衝撃を利用して、近年のアメリカにおける人道的危機を振り返りたかったのだ: カトリーナ、エイズの流行、アメリカにおける警察の残虐行為などである。彼は、見る人が考えることができるように、見る人を壁際に追いやりたがっている。

ブラッドフォードは、彼の作品の社会政治的影響は、必ずしも絵画から来るものではないと言う。彼はまた、芸術と活動を切り離すこともしない。ヴェネチアでの展覧会を機に、受刑者に職業訓練を提供し、出所後の生活への適応を支援する地元の協同組合、リオ・テラ・デイ・ペンシエリとの6年間のパートナーシップを発表した。


参考リンク: Mark Bradford: Spoiled Foot (2016)

作品 『The Hunt of the Unicorn』(2021)

15世紀初頭にオランダで織られたと考えられている「ユニコーンの狩り」タペストリー・サイクルは、一角獣を追う猟師と猟犬の一団、そして最終的に捕らえられ、死んでしまうまでの物語を細部まで豊かに描いている。

キリスト教神学では、磔刑と復活の寓意とされることも多いこのタペストリーは、捕食者と被食者の生態系が増殖する、何百種もの動植物が生息する濃密な夢のような世界を描いている。

ブラッドフォードは、蓄積された紙とカシメの層を、彼の特徴であるやすりがけ、引き裂き、酸化の技法で加工し、この風景を再構築する。ブラッドフォードは、ヨーロッパで最も愛されている芸術作品の歴史的遺産を解剖しながら、現代世界と暗黒時代の類似点を照らし出し、歴史の片隅に追いやられた人物たちが、激動の時代に援助や慰めを最後に受けることが多いことに焦点を当てている。

中世のタペストリーに惹かれたのは、権力者が歴史的出来事の解釈を固めるために好んで使用したストーリーテリングの媒体としての役割、つまりブラッドフォードが言うところのオールドスクールコミックブックである。

タペストリーの絵画は、サイトスペシフィックな巨大な紙作品に覆われた壁に置かれ、漂白剤で焼かれた大陸が描かれた黒い地球儀が天井から吊るされ、天窓から差し込む自然光で天の破片を作り出している。

大きさの異なる地球儀は、社会的、政治的、経済的な状況という無数のプリズムを通して、個人が世界にアプローチできることを示唆している。

参考リンク: Mark Bradford - Nobody Knows the Trouble I’ve Seen - Hauser & Wirth

Masaki Hagino
Contemporary painting artist based and work in Germany and Japan .
https://linktr.ee/masakihagino

Web : https//masakihagino.com
Instagram : @masakihagino_art
twitter : @masakihaginoart
Podcast : ART TALK Podcast
Discord : ART TALK Community
Opensea : @MasakiHagino

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Masaki Hagino

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Contemporary Artist / 現代美術家。 Diploma(MA) at Burg Giebichenstein University of Arts Halle(2019、ドイツ)現在は日本とドイツを中心に世界中で活動を行う。

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