【取材レポ・府中市美術館】「花のある暮らし」ボタニカルアートとデザイン｜200年の時を超えて出会う植物の美しさ

府中市美術館では「花のある暮らし」ボタニカルアートとデザイン

現在、府中市美術館では「花のある暮らし」ボタニカルアートとデザインが開催されています（2026年9月19日～11月29日）。

これからの季節、肌寒い秋から冬にかけては、外で本物の花に出会う機会も少なくなります。そんな時こそ、ボタニカルアートを鑑賞しながら、緑や花に囲まれた時間を楽しむのはいかがでしょうか。

ロマンあふれるボタニカルアート

今回の企画展では、会期前からDMにぐっと心をつかまれた方も多いのではないでしょうか。

チラシ表面

ピンクのマグノリア・カンベリィ（モクレン科）が大きく咲き誇り、レモンイエローの丸枠の中に描かれたホンカンゾウ（ススキノキ科）が爽やかさを添えています。（実は、この丸枠は陶磁器のお皿でした）植物画とデザインのつながりを感じさせるビジュアルです。

ボタニカルアートという名前をよく知らなくても、草花の絵に癒されたい――そんな気持ちで美術館を訪れました。

ソリダゴ・ストリクタ（キク科）/ ムラサキオグルマ（キク科）/ レダマ（マメ科） （『ニュー・ボタニック・ガーデン』より） 1812年 Photo ©️Brain Trust Inc.

ボタニカルアートのルーツは、古代ギリシャ・ローマ時代にまでさかのぼります。本展では、18世紀後半のイギリスで発展した植物図鑑や、一流の画家たちが手がけた版画技術を紹介しています。

当時、繊細に描かれた植物画は陶磁器のデザインにも取り入れられ、食卓を彩るようになりました。さらに、19世紀半ばに一世を風靡したウィリアム・モリスのデザインへと続き、植物は壁紙やインテリアとして人々の暮らしに取り入れられていきます。

18～19世紀のイギリスでは、世界各地から珍しい植物を集めるために、「プラントハンター」と呼ばれる植物採集家たちが海外へ派遣されました。危険を伴う航海の末に持ち帰られた植物が、現代のイングリッシュガーデンの土台を作りました。こうした背景を知ると、ボタニカルアートはロマンで溢れています。

もともとボタニカルアートは、単なる鑑賞のための絵ではありませんでした。「薬になる植物」として、その特徴を正確に記録し、科学的な目的で描かれていたのです。

シクラメン（サクラソウ科） （『詳細薬用植物図譜』より） 1805年-37年 Photo ©️Brain Trust Inc.

花の正面だけでなく、花びらの裏側や葉脈、茎の力強さ、個性的な球根の形、繊細な根の細部まで。植物をあらゆる角度から観察し、構図まで考えて正確に描き残す。その記録が、後にアート作品になっていくのです。

植物の生命力だけでなく、枯れていくまでの時間や自然の営みを感じさせるところも、ボタニカルアートの不思議な魅力になりました。

200年の時を超えて知る「バラ」の美しさ

会場では、来場者のみなさんがボタニカルアートのルーツを紹介する解説パネルをじっくり読み込んでいる姿が印象的でした。私もその一人です。

普段なら、作品を見て解説は読み飛ばしてしまうこともあるのに、なぜか本展では立ち止まって、しみじみと読んでしまいました。

それは、作品を一つひとつ鑑賞するたびに、次々と疑問が浮かんでくるからです。

「どうしてこんなに細かく描けるの？」

「どれくらいの時間がかかるの？」

美しいから鑑賞する。それだけでは終わらず、なぜここまでの作品を描くことができたのか、その技術や背景まで知りたくなります。

特に印象に残ったのが、「バラの画家」と呼ばれたピエール＝ジョゼフ・ルドゥーテの代表作の一つ、ロサ・アルビナ・ラウィス（バラ科）です。

ロサ・アルビナ・ラウィス（バラ科）（『バラ図鑑』より）1817年Photo ©︎ Brain Trust Inc.

こちらは点刻銅版画（スティッブル・エングレーヴィング）という当時の最高技術を使って、輪郭線のないバラを描いています。

「なんで版画なのに輪郭線がないの！？」と不思議でたまりません。

ボタニカルアートは、すべて水彩画と思い込んでいた私には、とても衝撃的でした。ここまで高度な版画技術で細かい「点」で描く作品が、すでに18世紀にあったとは想像できません。

金属板に細かな点を刻み、インクを詰めて紙に刷り取る――紙には長い年月を経た痕跡が見られます。それでも、描かれたバラの色や繊細な表情は、今なお鮮やかです。

200年以上の時を超えて、当時のバラからいい香りが漂ってくるのではないかと思うほど、美しい作品でした。

変化するボタニカルアート

会場を歩き進めると、『フローラの神殿』という植物図鑑が登場します。医師であり植物学者でもあったロバート・ジョン・ソーントンが出版したもので、植物を単独で描く従来の植物画とは異なり、山や家並みなど、風景までを取り入れています。

ピーター・ヘンダーソン ゲットウ（ショウガ科） （『フローラの神殿』より） 1801年 Photo ©️Shunta Inaguchi

まるで物語の挿絵のような作品の数々。どこかダークで怪しげな雰囲気もあり、植物の持つ生命力や勢いに圧倒されます。ぼんやり眺めていると、その世界に引き込まれてしまいそうで、思わず足早に通り過ぎたくなるほどでした。

ウェッジウッド 平皿 ウォーターリリー 1808年-11年 Photo ©️Shunta Inaguchi

さらに、ボタニカルアートの人気が高まると、植物図鑑の挿絵が西洋陶磁器のデザインにも採用されるようになります。植物画が器を彩り、暮らしの中に溶け込んでいったのです。

「これにマフィンを乗せて、紅茶でも飲んだら最高！」

そんな妄想を楽しみながら展示室を進むと、時代はぐっと近現代へ。19世紀後半からは、近代デザインの巨匠ウィリアム・モリスの世界へと移ります。

人間らしさを失わないデザイン

ウィリアム・モリスのデザインは、華やかさと渋さが合わさり、どこか優しい雰囲気を感じさせます。

モリスが活躍した時代は、産業革命によって人々の生活が便利になる一方、機械化や大量生産が進み、自然環境や手仕事が失われていく時代でもありました。

ジョン・ヘンリー・ダール 壁紙 ゴールデンリリー 1899年頃 Photo ©️Brain Trust Inc.

そうした時代を心配したモリスは考えました。人々の暮らしをより豊かなものにするため、自然や植物をモチーフにした壁紙やファブリックなどを手がけました。庭に咲く草花を描いたことを始め、日常の空間に自然を彩ろうとしたのです。

中でも人気だったというデザイン「ヤナギの枝」は、タイトルを知らなければヤナギとは気づかない人も多いかもしれません。

ウィリアム・モリス ヤナギの枝 壁紙 1887年Photo ©︎ Brain Trust Inc.

日本では、怪談話にも登場する湿っぽく垂れ下がったヤナギのイメージがありますが、モリスの描くヤナギはどこか違います。枝葉は生き生きと広がり、心に豊かさを与えます。

本展の終盤で展示される作品の中でも、ほっとする色彩で「このデザインの壁紙なら、幸せになれそう」と思わせる優しさと力を感じました。

多くのイギリス人の応接間を彩る壁紙になったということからも、人々が日々の暮らしの中に自然の安らぎを求めていたことが伝わってきます。

会場はモダンな背景に作品が展示され、全体的に見やすく、落ち着いた雰囲気。まるで森の中を散策しているような気分で鑑賞できました。

作品を通して、私自身、まだ見たことのない植物がたくさんあるのだと知りました。プラントハンターの気分を少し味わえたかもしれません。

展覧会のあと、植物を見る目が変わる

府中市美術館『花のある暮らし』ボタニカルアートとデザイン

帰り道、美術館からつながる府中の森公園を歩きました。道端に見える草花や植物が気になって、つい葉っぱの裏などめくって観察してしまい、すっかり植物に興味津々です。

明らかに鑑賞する前と後では、植物への目線が変わっています。普段なら何気なく通り過ぎてしまうような草花にも、自然と目が向くようになっていました。

本格的な冬が来る前に、ぜひ会場でご覧ください。

開催概要