【取材レポート上野の森美術館】シンシナティ美術館展で見る、多様な近代ヨーロッパ美術の魅力

①伝統と反抗と:19世紀の画壇を形作る二重螺旋

19世紀の美術について語る上で欠かせない存在が、展覧会第2章のタイトルともなっている「伝統」だ。これは、古代ギリシャ・ローマやルネサンスなど「古典」を範とする「アカデミスム」の流れを指す。

その代表格となったのが、19世紀初頭の新古典主義だ。厳格なデッサンをベースに、歴史や神話などの伝統的なテーマや肖像画を、調和の取れた構図で筆の跡も残らないように表すことに重きが置かれた。

しかし、時代が進むと、より多様なテーマを描こうとするロマン主義や、身近な現実をありのままに描こうとするレアリスムが台頭してくる。

そのような中でも、伝統を重んじる芸術家たちは消えなかった。彼らは、自分たちのやり方で異国の情景や農民など「新しいテーマ」を描くことに挑んだのだ。
ジャン=レオン・ジェロームによる《奴隷市場》はその一例だ。

（展示風景より）ジャン＝レオン・ジェローム　《奴隷市場》　1871年　シンシナティ美術館（筆者撮影）

また、ジェームズ・ティソは、当時の上流階級の女性たちの生活を精緻に描いた作品で人気を博した。

ジェームズ・ティソ 《日本の工芸品を眺める娘たち》 1869年 シンシナティ美術館

この《日本の工芸品を眺める娘たち》では、何本もの櫂が突き出た日本の船の模型に見入る2人の女性を描いている。背後に飾られた人形やそれを収める厨子と思しき収納など、一つ一つの小道具はその質感が伝わってくるほど、細やかに描き込まれている。

当時のヨーロッパで大流行していた「日本趣味（ジャポニスム）」が、実際にどのような形で人々の生活の中に存在していたのかを如実に教えてくれている。

このように伝統が息づき続ける一方で、あえて「反逆」ともいえる手法をとることで、新しい道を切り開こうとした画家たちも存在した。

その代表格が、第3章「レボリューション　革命」の冒頭に集められた、クールベ、マネ、セザンヌの三人だ。

ギュスターヴ・クールベ 《スイス、ヴヴェイの夕暮れ》1874年 シンシナティ美術館

クールベは、風景画《スイス、ヴヴェイの夕暮れ》で、荒々しい筆致や、パレットナイフによる絵の具の盛り上げや削り取りを駆使することで、石だらけの湖畔を触感までも想像させる絵として仕上げた。

マネは、スペイン美術や浮世絵から取り入れた構図や、簡略化・平面化したフォルム、大胆な色彩によって近代生活を描いた。

セザンヌも、《パンと卵のある静物》の中で簡略化したフォルムと粗い塗りを見せている。

ポール・セザンヌ 《パンと卵のある静物》 1865年 シンシナティ美術館

クールベたち三人は、それぞれのやり方で既存の絵画のあり方に異議を唱え、「自分の道」を拓こうとした。彼らの試みは、後輩たちの参照先となり、印象派や20世紀のモダニズムなど新たな流れにつながる橋となった。

まさに、型あってこその型破り、と言えるだろうか。

②風景画に見る「革新」の動き

今回の展覧会では、一つのテーマに絞って作品を見ていくことを提案したい。
例えば、「風景画」。

伝統から一歩踏み出す、という動きは風景画において顕著だった。

かつて風景画は、必ずしも現実の風景をそのまま描くものではなかった。スケッチを元にしながらも、アトリエの中で「絵画」としてふさわしくなるよう、画家の手で「編集」されたものだった。

しかし、19世紀になると、戸外で制作の大部分を行う画家が増えてくる。

筆致は粗く、下書きの線が残るなど、従来の基準から見れば「完璧」とは言い難い。しかし、あたりに満ちる光や大気、空を流れる雲など、画家が見たものが率直に反映されやすい。

そして鑑賞者は、画家個人が実際の風景を前にして体験した「感動」を、絵を通して追体験する、と言って良いだろう。

こうした戸外制作を積極的に取り入れ、風景画に新たな道を拓いた画家たちの一派が、1830年代頃から活動したバルビゾン派だ。

その一人ドービニーの作品《ジリューの池》を見てみよう。

（展示風景より）シャルル＝フランソワ・ドービニー　《ジリューの池》　1853年　シンシナティ美術館（筆者撮影）

奥まで広がる池の水のなんと清澄なことだろう。手を伸ばし、触れてみたいとすら思える。画面手前では、2羽の鷺が水辺に遊び、1羽は大きく翼を広げている。

空にゆったりと流れる雲や後景に青く霞んで見える山は、あたり一帯に満ちる空気の存在を感じさせる。

また、展示室を進んだ先では、先に紹介したクールベの《スイス、ヴヴェイの夕暮れ》と同じ部屋の壁にモネの《べリールの岩場、ポール=ドモワ》が飾られている。

クロード・モネ 《ベリールの岩場、ポール=ドモワ》 1886年 シンシナティ美術館

どちらも同じく夕暮れの水辺を舞台に、岩を主要なモチーフとしている。しかし、2枚の絵は驚くほど違う。

特に画面の色使いはモネの方が格段に明るい。

クールベがグレーや黒を基調に岩を描いているのに対し、モネは海面から突き出た岩に青や紫、ピンクなどの明るい色を素早い筆致で重ねていくことで、ゴツゴツした質感だけではなく、夕陽の光の効果をも表現しているのだ。

さらに展示室を進み、ポスト印象派や第4章「モダニズム」の20世紀初頭の作品群に目を向けると、風景表現はいっそう多様になっていく。

特に第4章冒頭では、スーティンの強烈な色彩による《セレの風景》と、ユトリロの端正で静けさに満ちた《シャペル大通りの赤い壁》とが並ぶ。

（展示風景より）シャイム・スーティン　《セレの風景》　1920～21年頃　シンシナティ美術館

（展示風景より）モーリス・ユトリロ　《シャペル大通りの赤い壁》　1910年頃　シンシナティ美術館

同じエコール・ド・パリに分類される画家でありながら、何という違いだろう。

このように何らかの共通項のある作品を見つけ、比較しながら鑑賞することも、この展覧会の楽しみ方の一つと言えよう。

③抽象と具象の間で

20世紀前半、美術はそれまでの現実の「再現」からさらに大きく踏み出していく。

色彩も形態（フォルム）も、「再現」という役割から外れて自由になり、時にはそれ自体が主役となった。

その代表がフォーヴィスムやキュビスム、抽象絵画だ。しかし、具象的なモチーフの表現への関心も消えてはいない。

（展示風景より）（左）アンドレ・ドラン《3つのバスケット》　1939～40年　シンシナティ美術館（右）マリー・ローランサン　《ピアノの前の女性たち》　1913年頃　シンシナティ美術館

例えばローランサンは、若い頃にキュビスムの影響を受け、単純化されたフォルムとパステルカラーによる独自の繊細な女性像を作り上げていく。

その隣に飾られているのは、アンドレ・ドランの静物画だ。ドランはフォーヴィスムの中心的人物で、初期は強烈な色彩による風景画を描いていたが、第一次大戦後は古典的な表現へと回帰した。ここにある作品でも、落ち着いた色彩で陰影も活かして立体的に静物を描いている。

この2枚を見ていると、美術の流れは、具象から抽象へと一気に傾いたわけではない。両者はむしろ二重螺旋のように絡み合いながら展開していったのではないかと思えてくる。

最後にもう一枚、同じく第4章から、今回の展覧会の看板ともなっている、フェルディナント・ホドラーの《聖なる時間》を紹介したい。

フェルディナント・ホドラー 《聖なる時間》 1907–1911年頃 シンシナティ美術館

ホドラーはスイスの象徴主義の画家で、人物や樹木など形のよく似たモチーフを繰り返し、あるいは左右対称になるように配置することで画面に独特のリズムを生み出す「パラレリズム（平行主義）」の技法を独自に編み出した。

この作品でも、青いドレスをまとい、顔もよく似た2人の女性が中央に腰掛けている。彼女たちは上体をひねり、今にも肩や腕を動かして踊りだしそうだ。

周囲で渦を巻く細かな赤い花弁は、そんな彼女たちの動きに呼応しているかのようで、画面からはリズミカルな音楽が聞こえてきそうだ。

展覧会のクライマックスでこの作品と向き合うと、これまで見てきた近代美術の「流れ」、その中に見いだした「二重螺旋」を思い起こしたくなる。

伝統と革新、具象と抽象。

一見相反するようにも見える2つの要素は常に共存し、それぞれに鼓動（リズム）を刻んでいた。時にもう片方の動きに呼応しながら。

それは、今この瞬間も続いているのかもしれない。

展覧会情報

展覧会名　シンシナティ美術館展 ～アメリカに渡ったヨーロッパの至宝～

会期　2026年10月10日（土） ～ 2027年1月10日（日）

休館日　会期中無休（12月31日、1月1日も休まず開館します）

開館時間　10:00～17:00
※入館は閉館の30分前まで
※開館日、開館時間等は変更になる場合があります

会場　上野の森美術館（東京･上野公園）
〒110-0007 東京都台東区上野公園1-2